Kate Sutton autour des week-ends d'art d'Amsterdam et de Londres

PLUS DE TROIS ANS après que la pandémie a mis un terme au monde de l'art international, nous cherchons toujours à nous reconstruire. Les concessionnaires qui sont descendus de la roue du hamster du circuit des foires ont été surpris de découvrir que vous pouviez en fait sauter une ou deux franchises (ou même plus, selon votre jeu jpg.) À l'approche d'Art Basel, des galeries du monde entier ont été se regroupant pour diverses permutations du "Gallery Weekend", une tentative locale d'attirer les collectionneurs vers les emplacements de brique et de mortier pour lesquels tout le monde a payé si cher.

La question demeure : ces événements fonctionnent-ils réellement ? Le Berlin Gallery Weekend, qui vient de sonner sa dix-neuvième édition fin avril, a clairement trouvé une formule, mais on peut dire sans se tromper que la ville avait une longueur d'avance dans ce domaine. Gallery Weekend Beijing, qui s'est terminé la semaine dernière, propose un modèle hybride qui complète les offres locales avec des présentations par des galeries en visite, mais ce n'est toujours pas suffisant pour que les gens, y compris les revendeurs, fassent la queue pour un visa chinois. Pendant ce temps, les semaines d'art dans des villes comme Salzbourg et Ljubljana ont tendance à être des affaires plus discrètes, s'appuyant sur le pouvoir des cocktails publics et des sacs fourre-tout chics pour attirer de nouveaux publics à la maison.

Mercredi dernier, les Pays-Bas sont entrés dans la mêlée avec la onzième Amsterdam Art Week, un programme de plusieurs jours lié aux Open Studios de la Rijksakademie, un attrait fiable pour les chasseurs de bonnes affaires et les directeurs institutionnels à budget limité. Bien qu'il y ait eu quelques grognements au sujet de la place d'honneur accordée à l'école d'art (non payante) et de la relégation des projets commerciaux à un créneau du vendredi soir, les galeries ont quand même trouvé des moyens de se faufiler dans des avant-premières intelligemment tracées, échelonnant leurs horaires pour s'assurer qu'il y avait pas de chevauchement. Je suis descendu du train de Schiphol mercredi matin avec juste assez de temps pour déposer ma valise avant de me diriger vers Domenica pour un déjeuner qu'Annet Gelink tenait pour Ryan Gander. "Nous allions essayer un autre restaurant, mais nous avons découvert qu'une autre galerie y dînait ce soir", s'est excusé Gelink. À notre avantage, il s'avère. La nourriture était fantastique, bien qu'exaspérante comme une "surprise" à la classe économique transatlantique ("Repas ou pâtes?"). Des mécènes comme Inge de Bruijn-Heijn et sa fille, Aveline de Bruijn, qui dirigent le centre d'art familial Quetzal dans un vignoble au Portugal, ont rejoint Cathy Jacob du Museum Boijmans Van Beuningen et Brigitte Bloksma du Museum Beelden aan Zee pour creuser dans le défilé d'assiettes de burrata, tartare de veau et tagliatelles décadentes au branzino. Giulia Meloni de Gelink, une greffe sarde, haussa les épaules. "Les Hollandais sont comme les Italiens. Ils prennent leur temps à table."

Hélas, je n'avais pas le même luxe. En m'esquivant avant que le café ne soit servi, j'ai réussi à attraper des expositions en cours de Fernando Sánchez Castillo à tegenboschvanvreden et de Dina Danish à Stigter van Doesburg. Au GRIMM, Francesca Mollett avait recouvert les murs de nouvelles toiles avenantes, tandis que j'étais carrément hypnotisé par les sculptures totémiques de David Jablonowski à Fons Welters. "Ils sont fabriqués à partir de morceaux de récupération issus de l'impression 3D", a expliqué le revendeur Nick Terra. Je n'étais pas sûr d'avoir acheté le récit – le but de la technique n'est-il pas de réduire ce genre d'excès ? – mais j'étais certainement dans les résultats.

J'ai terminé l'après-midi à Stevenson, où Mawande Ka Zenzile avait placé la pièce ensoleillée avec des peintures méditatives en bouse de vache sur toile. "Les artistes sud-africains passent vraiment un bon moment cette semaine", a observé le marchand Joost Bosland. "Vous avez ce spectacle, Ernest Cole à FOAM, Simnikiwe Buhlungu à Ellen de Bruijne, Lungiswa Gqunta à AKINCI . . ." Ce moment s'est poursuivi autour d'un véritable festin algérien - bols géants de couscous parfumé, choux de Bruxelles, assiettes pleines de pastèque - de l'autre côté du canal à Raïnaraï, où le directeur récemment nommé du Fonds Prince Claus, Marcus Tebogo Desando, quelques personnes du Fonds Mondriaan, des écrivains Olamiju Fajemisin et Eliel Jones, et le galeriste Stefan Benchoam se sont tous blottis autour d'une table serrée, Ka Zenzile et les autres artistes de la galerie Cian-Yu Bai et Neo Matloga en son centre.

L'événement principal ce soir-là était un coup d'envoi de style pep-rally au Pakhuis de Zwijger. Un MC très motivé a trotté des "blagues" sur l'art au niveau de Tinder, s'arrêtant juste assez longtemps pour mutiler le hashtag #AAW. À côté de moi, Fajemisin l'a saisie dans son téléphone et a été immédiatement accueillie par des bannières pour une ligue de lutte : "Crush and Destroy". À vrai dire, la soirée aurait pu utiliser plus de cette énergie. Un premier panel bien intentionné sur l'hospitalité a déraillé dans ses premières minutes lorsque Margriet Schavemaker du musée d'Amsterdam a interrogé Desando, né en Afrique du Sud, sur ses expériences aux Pays-Bas. "Soyons honnêtes, ce n'est pas un lieu ouvert", a-t-il répondu, soulignant que laisser à quelqu'un un paquet de bienvenue avec une carte n'est pas la même chose que de le prendre par la main et de lui montrer un endroit. Lara Khaldi de De Appel a confirmé cette impression. « Structurellement, l'hospitalité a beaucoup de dynamique de pouvoir. Dans ce cas, il y a une attente d'intégration, mais l'intérêt n'est pas réciproque. "Mais pour ramener ça à l'art..." Schavemaker continua, son sourire figé. « Documenta, c'était une émeute, n'est-ce pas ? (Bonne épargne.)

JEUDI MATIN, j'ai attrapé l'Eurostar pour Londres, qui annonçait un week-end de galerie à part entière. En l'absence de visites en studio pour voler la vedette, la tête d'affiche de la semaine était sans doute le mastodonte de Gagosian "To Bend the Ear of the Outer World: Conversations on Contemporary Abstract Painting". Le conservateur Gary Garrels avait conçu l'exposition comme une extension de son exposition de 2008, "Oranges and Sardines", une affaire de six artistes au Hammer Museum de Los Angeles. Pour cette nouvelle mise à jour, Garrels a complété les peintures du sextet original - Mark Grotjahn, Wade Guyton, Mary Heilmann, Amy Sillman, Christopher Wool et Charline von Heyl, qui avait l'une des rares véritables vedettes de l'émission - avec de nouvelles offres de Frank Bowling, Laura Owens, Nathlie Provosty et David Hammons.

Le spectacle était divisé entre une exposition consciente de la fenêtre à Davies Street (Katharina Grosse, Mark Bradford, Lesley Vance) et le siège social de Grosvenor Square, qui a ouvert avec un couple de Tomma Abts et Cecily Brown. "Je savais que ça devait commencer avec Tomma", s'est enthousiasmé Garrels en me parlant de son processus. Bientôt, nous avons été rejoints par Sillman, qui a accueilli le conservateur avec une chaleur caractéristique. « Nous sommes voisins ! » "C'est vrai," acquiesça Garrels. "Il y a probablement plus d'artistes de North Fork ici que de New York." Il y avait aussi un nombre important de marchands, dont Carol Greene, Gio Marconi, Stuart Shave et Nicholas Logsdail, qui se mêlaient aux côtés de Gregor Muir de la Tate Britain et de Nicholas Cullen de la National Gallery of Art.

"Un musée ne peut pas s'en tirer comme ça", a observé Oscar Murillo, en agitant la main autour d'une pièce à l'étage parsemée de pièces de déclaration de Murillo, Thilo Heinzmann et d'un Jadé Fadojutimi qui offrait des nénuphars à Monet. Bien sûr, il y avait la critique requise - "vous êtes gagosien, vous pouvez choisir n'importe quelle pièce dans le monde. Pourquoi celles-ci?" - mais il y a eu peu de plaintes l'après-midi suivant, lorsque la galerie a loué un chariot de crème glacée chic pour traiter les clients. (quelqu'un m'a peut-être envoyé ou non une photo après qu'un réalisateur voyou a ajouté sa propre intervention, un panneau indiquant "pas de revendeurs, pas de réductions".)

Au coin de la rue, Sprüth Magers organisait sa propre réception pour Andro Wekua, et Thomas Struth avait orchestré un concert de saxophone, entre toutes, chez Max Hetzler, mais je devais me rendre à Haggerston, où les meilleurs de Hackney s'étaient avérés en pleine force pour l'exposition de la Seventeen Gallery des peintures faciles, aérées et incroyablement compliquées à construire de Rhys Coren. Plus à l'est, Maureen Paley inaugurait deux expositions : Avis Newman à Three Colts Lane et une exposition serrée de céramiques du révérend Joyce McDonald au tout nouveau Studio M de la galerie dans la verdoyante Rochelle School de Shoreditch. Par la suite, des artistes comme Jane et Louise Wilson, Praneet Soi, Bruno Pacheco et Behrang Karimi ont fêté la double ouverture sur des assiettes de poissons impeccablement cuisinés à la Rochelle Canteen.

"Nous sommes vraiment chanceux d'être ici", m'a dit Paley. "C'était à l'origine juste une escale pendant que nous emménagions dans la nouvelle galerie. Mais en tant que locataires, nous pouvons utiliser cet espace en bas et profiter de cette nourriture incroyable. C'est vraiment difficile de partir." La restauration était vraiment phénoménale - à égalité avec l'entreprise - me faisant souhaiter que je sois revenu quelques secondes avant le taxi de cinquante minutes à Holland Park pour l'after-party Gagosian au Belvedere récemment rouvert, une écurie du XVIIe siècle transformée -lieu de mariage moderne. Notre équipage est arrivé à temps pour attraper des vagues de clients aux cheveux argentés qui se déversent dans les jardins, un peu comme cette scène culminante de La dernière licorne lorsque toutes les licornes sortent de l'écume en même temps. La marchande Victoria Al-din consulta sa montre et haussa les épaules. "Eh bien, ils ont dit que la nourriture s'arrête à 10h30."

A l'intérieur, on aurait pu penser que la nourriture n'avait jamais commencé. Au milieu de l'environnement décadent, les fêtards affamés se jetaient sur des pizzas margherita dès qu'ils quittaient leur petit corral de nourriture (j'ai attrapé un plateau spécial de frites livré avec amour à une table vide marquée "réservée"). Le bar battait son plein, cependant, et étonnamment efficace, avec les margaritas au basilic qui coulaient et à peine un espace sur le balcon.

Les audacieux se sont aventurés à Groucho pour la fête de bienvenue officielle de la LGW (je ne peux pas ne pas penser à Gatwick avec cet acronyme) et encore d'autres à Chiltern, car apparemment Londres fait ressortir cette contrainte chez les gens, mais je devais être debout tôt le lendemain matin pour un brunch bagel chic chez Waddington Custot. La galerie dévoilait le deuxième chapitre de "Picture This: Photorealism 1966–1985", une enquête séduisante sur un mouvement étonnamment peu fréquenté. "Le photoréalisme est un tel terme impropre", a déploré le réalisateur Jacob Twyford. "Ce ne sont pas des peintures essayant de capturer la réalité comme une photo, ce sont des peintures qui prennent la photo comme leur réalité."

L'écrivain Daniel Culpan et moi nous sommes arrêtés pour admirer la façon dont Ralph Goings avait glissé sa signature au bas de l'étiquette d'une bouteille de ketchup Heinz, ainsi que quelques reflets de choix le long des flancs ensoleillés de plusieurs autos des années 1970, qui contrastaient parfaitement avec l'aérographe intérieurs de voitures démolies par John Salt. "Il n'y en a que neuf environ", a ajouté Twyford, avant de se tourner vers l'œuvre peut-être la plus délicate de l'exposition : une peinture murale de 1972 d'un photocollage de Ben Schonzeit, dont les bouffonneries visuelles ne sembleraient pas déplacées aujourd'hui. .

En parlant de dépaysement, à Edel Assanti, "NEOPLAN" de Marcin Dudek a rempli la plus grande partie de la galerie avec un bus de football abandonné qui avait été ravagé par une base de supporters adverses. "Il est en fait arrivé à plat", m'a dit Berta Zubrickaitė. "Il a fallu cinq jours pour tout mettre en place." Le résultat a crié Yellowjackets, les visiteurs étant encouragés à se frayer un chemin à travers l'épave. Au vernissage, l'artiste avait allumé des fusées éclairantes, roussissant les murs de traînées de mandarine. Le réalisateur Charlie Fellowes et moi avons convenu que le geste a vraiment rapproché la salle (il aurait également envoyé des participants se précipiter vers les portes).

Londres n'a aucune patience pour le déjeuner de trois heures. C'est une petite culture du sandwich, les gens. Cet après-midi-là, j'ai frappé Lisson pour attraper Cory Arcangel et le conservateur Omar Kholeif en conversation, et plus tard, Phillida Reid pour l'émission "Burning Desires" d'Edward Thomasson, qui comprenait une performance brûlante de vulnérabilité brute de Josh Andraos. En ruminant sur la maladresse inhérente à l'intimité (un thème qui s'étendait parfaitement à mes fils WhatsApp), je me dirigeai vers Rodeo, où Nour Mobarak avait reconstitué le premier opéra au monde - La Dafne de Jacopo Peri et Ottavio Rinuccini, joué en 1598 pour un public de Médicis - avec un moulage sculpté dans du mycélium soigneusement cultivé par l'artiste. Ces chanteurs-substituts apparaîtront à plus grande échelle en juillet, lorsque l'artiste réalisera l'intégralité de l'opéra sur scène au Pirée. "Il n'y a pas d'enregistrement de la musique", a expliqué Katy Green, "donc Nour a traduit le livret dans les cinq langues qui contiennent le plus de phénomènes." La seule solution logique, vraiment, quand vous montez un opéra fongique.

Si le blockbuster tentaculaire de Gagosian avait donné le ton de la semaine, d'autres galeries n'avaient pas peur de garder les choses légères et précises. À l'emplacement de Bury Street de Modern Art, l'exposition de Jacqueline Humphries ne comprenait que trois peintures (dont deux étaient essentiellement des murs en eux-mêmes), tandis qu'à côté, chez Sadie Coles, Lisa Brice n'en montrait que deux : une œuvre tumultueuse qu'elle avait réalisée à l'âge de vingt ans. -trois et un nouveau tableau créé en réponse, livrant une tournure paillarde au Bar de Manet aux Folies-Bergère, 1882.

J'ai terminé ma soirée à Bethnal Green à The Approach, où Tom Allen a offert un bouquet frais de ses fleurs mystiques. Au cours de G&T sur les bancs à l'extérieur, la conversation est revenue à Coles. "C'est vraiment incroyable le poids international qu'elle s'est construit", s'est émerveillé un galeriste, "d'autant plus qu'elle a résisté à l'envie de franchiser et qu'elle est juste restée enracinée dans une ville". Mais à quoi servent les Gallery Weekends, les G&T aussi, d'ailleurs, si ce n'est pour nous montrer le pouvoir de rester sur place ?

—Kate Sutton